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MIRADAS Y PREGUNTAS: Irène Sadowska

Nuevos horizontes y El fenómeno del teatro popular en Chile

Para este número Irène nos propone dos entrevistas. La primera en este lado del charco a Natalia Álvarez, como nueva directora del Centro Danza Canal, y la segunda al otro lado del charco a Mauricio Bustos, dramaturgo y director chileno. Entrevistas que completa la panorámica sobre el teatro chileno y la entrevista a Ramon Griffero publicadas en el número 6

  1. Nuevos horizontes

Entrevista a Natalia Álvarez Simó, directora del Centro Danza Canal.

Tras la época de Albert Boadella, los Teatros del Canal de Madrid, con la dirección colegiada de Alex Rigola como director teatral y Natalia Álvarez Simó, directora del Centro Danza Canal, nombrados en 2016, apuestan por nuevos objetivos: convertir este gran complejo artístico de la Comunidad de Madrid en el Centro de Artes Escénicas Contemporáneas.

Natalia Álvarez Simó que hasta su nombramiento para la dirección del Centro Danza Canal, había sido comisaria de Artes Escénicas en el Museo Reina Sofía, presentó el 8 de septiembre los nuevos retos para el CDC que abrió sus puertas en 2009 como un espacio dedicado a la creación y difusión de la danza y de las artes del movimiento.

Ocho años después el CDC, integrado en el complejo de los Teatros del Canal y situado en un edificio de 5 plantas con 9 salas de ensayo, dispone por primera vez de su propio presupuesto que, aunque modesto, constituye una base algo más sólida para desarrollar sus objetivos y reforzar su programación.

Irène Sadowska – Con 8 años de existencia el Centro Danza Canal ha consolidado su identidad como Centro de investigación, de creación y exhibición. Con la temporada 2017/2018 se inicia su nueva etapa con nuevos retos. ¿En qué consisten?

Natalia Álvarez Simó – Con la infraestructura que tenemos ahora, 9 grandes y luminosos estudios para ensayos con equipamiento perfecto, lo más moderno, para trabajar, el Centro puede dar un paso adelante afrontando nuevos objetivos y ampliando sus actividades. Es decir potenciar por un lado su vocación de investigación y de creación sobre la danza y las artes del movimiento, por otro lado desarrollar la difusión y crear nuevos públicos para la danza y teatro, y también afirmase como un espacio pedagógico sobre la danza y la iniciación en la vida profesional.

Son los tres ejes que van a articular todas las actividades del Centro.

I. S. – ¿Con que formas y medios concretos se realizará el apoyo a la creación?

N. A. S. –Las convocatorias de residencias para los artistas han cambiado mucho respecto a los años anteriores. La selección por ejemplo se hace con un jurado nacional e internacional.

Las compañías residentes, cuando están aquí tienen, no solo un espacio a su disposición, sino actividades que intentan cubrir sus carencias.

Lo hemos puesto en marcha este año con la colaboración de instituciones como el INAEM, ARTEA, la Universidad Complutense de Madrid, Arte 2 de Mayo, etc.

Así por ejemplo los artistas pueden enterarse de primera mano sobre que ayudas hay, como se solicitan, cuáles son sus objetivos.

También hay talleres y charlas para informales sobre la prevención de lesiones, sobre la fiscalidad para las compañías.

El objetivo es acompañarles con todos estos recursos para prepararles a emprender su vida profesional.

En cuanto a los medios de apoyo a la creación, las residencias de los artistas culminan con la exhibición de sus trabajos. Por ejemplo el proceso que han desarrollado en el Centro en 2017 se exhibe ahora en el ciclo “Abierto en Canal”. El objetivo es darles más visibilidad, mostrando al público, a la prensa y a los profesionales lo que hacen.

Nosotros les pagamos un cachet para que den sus representaciones.

Este año era un año intermedio.

Las convocatorias tienen que salir en octubre o noviembre.

El próximo año las residencias contarán con apoyo financiero.

También varias creaciones de las compañías que han pasado por el Centro Danza son coproducidas por el Teatro.

I. S. – ¿Cuáles son los criterios en la selección de artistas para las residencias? ¿Qué tipo de residencias propone el CDC?

N. A. S. – Los criterios de selección son, la calidad del proyecto, la innovación, el potencial que tienen para desarrollarlo, la proyección internacional. Los artistas son seleccionados por un jurado que variará cada año.

Este año tenemos 35 compañías residentes. Hay 9 residencias que duran un año.

También tenemos otra convocatoria que se llama “intermitente” que está abierta todo el año, de modo que se puede solicitar en cualquier momento.

Es para aquellas compañías que tienen que exhibir sus piezas y necesitan 2 o 3 días para volver a ensayar, o compañías que deben hacer una audición y no tienen un sitio donde hacerlo. Cubrimos estas necesidades con las residencias a corto plazo. El periodo máximo son 2 semanas para trabajos muy concretos.

En 2017 han pasado 30 compañías por este tipo de residencia.

En las residencias de creación como contrapartida el coreógrafo tiene que abrir el proceso al público.

Cada compañía decide que puede aportar para construir y desarrollar nuestro público.

I. S. – ¿Cómo está integrado el público en la creación y en las actividades del Centro?

N. A. S. – A parte de los procesos de creación abiertos al público, hemos puesto en marcha varios talleres y actividades relacionados con las temáticas de la programación, dirigidos a distintos públicos. Por ejemplo talleres y actividades para las familias, para los bebés, intergeneracionales, para personas con discapacidad, etc. Intentamos llegar a todos los públicos.

También colaboramos con colegios, colectivos, centros de menores, institutos, asociaciones de Parkinson.

Hay un abanico muy amplio de actividades que dan acceso tanto a los procesos abiertos como a los talleres y charlas sobre la programación para introducir el público en las diferentes formas de la danza actual.

I. S. – ¿Se privilegian en la selección de las compañías las tendencias o lenguajes coreográficos más innovadores en la danza actual?

N. A. S. –No buscamos una única corriente sino diversificar las formas y expresiones. Tenemos en el ciclo Abierto en Canal, el flamenco más contemporáneo, diferentes formas de combinación de la danza con otras artes o tecnologías.

I. S. – ¿En qué consiste la investigación sobre la danza y la formación de los jóvenes coreógrafos?

N. A. S. –En nuestra programación en el Teatro, algunos artistas van a dar talleres para los residentes. También invitamos a otros reconocidos maestros de fuera para hacer talleres, dar cursos y clases.

Tenemos, por ejemplo, una línea dentro de las charlas sobre la recuperación de danza contemporánea de España, para valorar el patrimonio y enseñar a las nuevas generaciones lo que les ha precedido.

Hay también un ciclo de conferencias en colaboración con ARTEA “El cuerpo en la mirada, imagen y visualidad en la escena” y un ciclo de proyecciones sobre los trabajos de grandes creadores como Alain Platel, Pina Bausch, etc.

La Fundación Víctor Ullate, asociada a los Teatros del Canal, se implica con la Escuela de Víctor Ullate en el trabajo del CDC.

Este año ha puesto 2 profesoras que nos han ofrecido clases para los residentes.

I. S. – ¿Puedes comentar la proyección de la creación del Centro tanto en el plano nacional como internacional? ¿Hay colaboraciones y coproducciones con otros centros coreográficos o festivales de danza?

N. A. S. –Respecto a las instituciones nacionales, en la parte tanto de las residencias de creación como en la parte de exhibición estamos trabajando de forma muy estrecha con el Mercat de les Flors en Barcelona. Trabajamos también en la parte exhibición entre otros con el Teatro Central de Sevilla y con Temporada Alta de Girona.

En el plano internacional hacemos colaboraciones con el Teatro Municipal de Oporto en Portugal y con el Centro Nacional de la Danza en Francia, en particular en cuanto a la exhibición y a los talleres.

I. S. – ¿Hay un seguimiento de las compañías que han crecido en el CDC?

N. A. S. – Por supuesto. Estamos pendientes de lo que están haciendo para ver que trabajos podemos coproducir.

I. S. – En el ciclo Abierto en Canal con el que se abre la temporada 2017/2018 del CDC los coreógrafos procedentes de las residencias presentan sus últimas creaciones. ¿Este ciclo es una especie de escaparate del Centro, su “tarjeta de visita”?

N. A. S. – Este ciclo será anual con una duración de casi 2 meses.

Este año hay 9 compañías, cada una con 2 representaciones de su última obra en la Sala Negra modulable del Teatro.

El ciclo ofrece no solo visibilidad a sus trabajos sino también un panorama de diferentes estilos y lenguajes coreográficos que los artistas han desarrollado en sus obras, que están mayoritariamente implicadas en las problemáticas de la sociedad actual.

  1. El fenómeno del teatro popular en Chile

Mauricio Bustos (1961) actor, director de escena y dramaturgo, se destaca en la nueva generación de creadores chilenos por su compromiso social, su búsqueda de formas teatrales que recuperan las tradiciones, mitos y creencias populares, trasladándolas al mundo actual.

Fundador del Teatro Observatorio Popular, explora con su compañía el fondo cultural popular chileno, desarrollando su propio y original lenguaje escénico y promoviendo la descentralización de los polos culturales habituales.

Entre sus montajes más relevantes: Por encargo del olvido (2001), Toda esta larga noche (2002), La amistad más pura (2008) Historias para ser contadas (2010), El evangelio según San Jaime de Jaime Silva (2012), Nina de José Ramón Fernández (2013), La quebrada de los sueños (2015).

Irène Sadowska – ¿Cómo defines la especificidad de tu práctica escénica?

Mauricio Bustos – Está basada sobre todo en la búsqueda de raíces populares de la comedia chilena y de sus vínculos con el teatro popular universal, oriental (Japón, India), la comedia del arte, los elementos del teatro de Eugenio Barba y del teatro de Ariane Mnouchkine en Paris.

Mi lenguaje escénico se caracteriza por la expresión del cuerpo, el uso de la máscara blanda y temas mayoritariamente graciosos, cómicos, farsescos.

Desde hace unos 10 años mi compañía Observatorio Popular se ha hecho cargo de esta investigación del fenómeno popular en cuanto a lo estético y a lo cultural. ¿Cómo somos nosotros, los chilenos? ¿Cuáles son nuestras raíces culturales?

De esta búsqueda estética han surgido mis espectáculos Historias para ser contadas a partir de textos de Oswaldo Dragun, El evangelio según San Jaime a partir de la obra de Jaime Silva sobre el evangelio y los personajes con los que se encontró Jesús durante su vida en la tierra.

Es una visión social muy potente donde aparece un dios omnipresente, latifundista que ejerce el poder en la tierra y un Jesús, un hombre parecido a los del pueblo.

Cuando se habla del teatro popular en Chile se trata del teatro cercano a la gente, que toca temas de su vida y pone en escena personajes que el público pueda reconocer e identificarse con ellos y con problemáticas humanas del pueblo chileno. Es lo que la gente entiende y busca.

Lo que se necesita en Chile es un equilibrio entre la industria y la cultura popular sin bajar los niveles estéticos.

Presentamos estos espectáculos populares por todas las partes, en sitios muy diferentes que pueden ser pequeñas salas, salas convencionales, calles. Con esta forma de trabajar encuentro un público diverso y más amplio.

I. S.El evangelio según San Jaime de Jaime Silva que has montado en 2012 es para ti un modelo, la quintaescencia del teatro popular chileno. ¿En qué consiste su dimensión metafórica?

M. B. – Cuando Jaime Silva estreno en 1969 su Evangelio según San Jaime su singular obra suscitó reacciones en un sector muy conservador del público que consideraba el espectáculo como una ofensa a la religión. Las representaciones estuvieron acompañadas de protestas y frecuentes incidentes.

Lo que fue entonces considerado como herejía y provocación, cuarenta y cinco años después, en 2012, cuando yo adapté y representé esta obra ya no agraviaba la moral del público.

La trama del Evangelio va desde la génesis de la tierra a manos de dios padre hasta los hitos más relevantes del paso de Jesús por el mundo y su muerte. La intriga se complementa con trampas de los personajes de don Demonio y doña Muerte para alejar a los hombres del Mesías y así poderlos hacer eslavos.

Hay en la obra un ambiente campesino, el canto, la pantomima, etc, todo el imaginario y los prototipos populares, con la narración picara, humorística, jocosa.

Los campesinos interactúan con los personajes bíblicos alegóricos y los personajes alegóricos tientan a los sacros.

Mi versión de la obra, estrenada en 2012, se subtitulaba como “La herejía popular de los santos momentos”.

En mi adaptación prima el conflicto entre los protagonistas y los antagonistas sobre la historia bíblica. Las referencias bíblicas son matizadas con referencias a la historia del pueblo campesino chileno.

El conflicto se suma en el personaje de Dios, una autoridad dictatorial y absolutista.

He sintetizado la dramaturgia de la obra para contarla con solo 7 actores que interpretan a más de 30 personajes.

El personaje de Jesús es un líder cuya actuación pone de relieve inquietudes sociales, la reivindicación de la igualdad de los hombres.

I. S. – ¿A qué teatro y práctica escénica te sientes próximo?

M. B. – Sin duda a la de Andrés Pérez, un actor y creador excepcional que formó parte del Teatro du Soleil de Ariane Mnouchkine en Paris. Siempre (Continuamente) los críticos dicen que mi trabajo les recuerda mucho al de Pérez aunque nunca trabajé con él, no lo conocí personalmente.

Mis maestros y modelos fueron Gustavo Meza, Jaime Silva y en extranjero Ariane Mnouchkine, por el lenguaje teatral, por lo ético y la utopía.

I. S. – La otra vertiente de tu trabajo son las producciones de obras de autores contemporáneos que abordan las problemáticas de nuestra sociedad…

M. B. – Para mí la misión del teatro consiste en hablar de problemas, dificultades que vivimos, hacer preguntas sobre las reglas y principios que rigen nuestra sociedad. Por ejemplo en Nina de José Ramón Fernández que monté en 2013 se trata de dos personas quebradas que tienen la oportunidad de cambiar su vida pero no lo logran, les faltan fuerza y voluntad.

Mi compañía y yo elegimos las obras en relación a las problemáticas de la sociedad chilena, no obviamente con respecto a la actualidad inmediata. Pienso que muchas obras que se escriben ahora son muy discursivas, se caen en la literatura o en lo anecdótico. Lo que me interesa es lo humano.

He montado varias obras de Jorge Díaz que tratan de las relaciones familiares, la vejez, el Alzheimer, etc, son temas universales.

Por ejemplo mi espectáculo Un jardín secreto a partir de Fugitivos de la ausencia de Jorge Díaz aborda la historia de una pareja de la tercera edad que, pese a la memoria perdida, reviven su vida juntos y tratan de encontrar la felicidad, su jardín secreto.

Ahora estoy estrenando su obra La fatiga de material sobre la vida y los recuerdos de dos viejos actores que se juntan en un teatro a punto de ser vendido, a recordar su vida. Es también un tema de la sociedad actual chilena: ¿ Cómo se comporta Chile hoy en día con sus viejos?

Perfil del autor
Irène Sadowska
Irène Sadowska Guillón

(FRANCE) Formation universitaire littéraire et théâtrale, niveau Maîtrise et Doctorat d’État. Auteur de
nombreux essais sur le théâtre et critique dramatique, collaboratrice dans le domaine du théâtre à la radio France Culture et dans plusieurs revues spécialisées de théâtre et des arts du spectacle en France ( Théâtre / Public, Gestes, Cassandre, Espaces Latinos, L’Afficeh Paris Europe, Critical Stages etc.) et à l’étranger (Art Teatral, Primer Acto, ADE, Las puertas del drama, Artezblai, Red Escenica, en Espagne, Conjunto et Tablas à Cuba, etc.). Spécialisée en théâtre contemporain, en particulier hispanique. Organisatrice et coordinatrice d’événements théâtraux. Membre fondateur du réseau français de l’Institut International du Théâtre de la Méditerranée, fondatrice, présidente des Échanges Franco Hispaniques des Dramaturgies Contemporaines “Hispanité Explorations”. Trésorière d’honneur de l’Association Internationale des Critiques de Théâtre (AICT) et du Syndicat Professionnel de la Critique de Théâtre en France. Membre de Asociacion de Directores de Escena d’Espagne Memebre de Academia de Artes Escenica de España Membre du jury de plusieurs festivals de théâtre.

(FRANCE) Formation universitaire littéraire et théâtrale, niveau Maîtrise et Doctorat d’État. Auteur de nombreux essais sur le théâtre et critique dramatique, collaboratrice dans le domaine du théâtre à la radio France Culture et dans plusieurs revues spécialisées de théâtre et des arts du spectacle en France ( Théâtre / Public, Gestes, Cassandre, Espaces Latinos, L’Afficeh Paris Europe, Critical Stages etc.) et à l’étranger (Art Teatral, Primer Acto, ADE, Las puertas del drama, Artezblai, Red Escenica, en Espagne, Conjunto et Tablas à Cuba, etc.). Spécialisée en théâtre contemporain, en particulier hispanique. Organisatrice et coordinatrice d’événements théâtraux. Membre fondateur du réseau français de l’Institut International du Théâtre de la Méditerranée, fondatrice, présidente des Échanges Franco Hispaniques des Dramaturgies Contemporaines “Hispanité Explorations”. Trésorière d’honneur de l’Association Internationale des Critiques de Théâtre (AICT) et du Syndicat Professionnel de la Critique de Théâtre en France. Membre de Asociacion de Directores de Escena d’Espagne Memebre de Academia de Artes Escenica de España Membre du jury de plusieurs festivals de théâtre.

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